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18 de noviembre de 2018
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Estrofas y Garabatos, exposición de la ilustradora Isabel S. Canosa en Alcobendas

La Ciudad Deportiva Valdelasfuentes de Alcobendas acoge, hasta el 1 de diciembre, la exposición Estrofas y Garabatos de la artista Isabel S. Canosa.

Estrofas y Garabatos es una muestra de la ilustradora Isabel S. Canosa, también es un libro ilustrado, editado por Uno Editorial, de la misma autora. Después de recorrer diferentes espacios y ciudades llega a Alcobendas.

La exposición está compuesta por 33 ilustraciones originales inspiradas en letras de canciones de autores tan diversos como Pedro Guerra, David Bowie o Asier Etxeandía. Un homenaje personal de la ilustradora a aquellos instantes en los que se ha sentido feliz escuchando canciones y dibujando.

Ramón Estalella y Manso de Zúñiga, el genio que hay detrás del Centro Comercial de Cuesta Blanca

Si quisiésemos hablar de una persona brillante, interesante, aventurera, educada, amable, artista y probablemente genio, estaríamos hablando de Ramón Estalella y Manso de Zúñiga. Él, al igual que su padre, el pintor y diplomático Ramón Estalella Pujolá, se labró una carrera profesional y personal única, trabajando como arquitecto por todo el mundo y codeándose con intelectuales y compañeros de profesión de la talla de Miguel Fisac. Te contamos un pedacito de su Gran historia.

Sólo analizando sus apellidos, ya podemos intuir el ambiente en el que creció, probablemente su gran inspiración. Su padre, hijo de un terrateniente español en Cuba, hizo la carrera diplomática y estuvo al frente de la embajada cubana en Madrid durante la Guerra Civil española. Con valentía y mucha generosidad, dio asilo a centenares de personas de ambos bandos. También era pintor, teniendo contacto asiduo con artistas e intelectuales de la época como Joaquín Sorolla, Dalí y Ortega y Gasset, en las famosas tertulias del Café Pombo, del que era habitual. Ramón Estalella hijo creció en este ambiente, una mezcla cultural, artística e intelectual inmensa.

La familia de su madre no se queda atrás. Ella, Ana Manso de Zúñiga, era biznieta del príncipe de Vergara. Aún conserva un gran patrimonio de objetos, documentos y recuerdos de Baldomero Espartero, con una brillante carrera militar con la que consiguió ganarse los favores de la Regente María Cristina, siendo dos veces presidente del Consejo de Ministros y llegando a la jefatura del Estado como regente durante la minoría de edad de Isabel II. Ha sido el único militar español con tratamiento de Alteza Real. Toda una leyenda que ostentó los títulos de príncipe de Vergara, duque de la Victoria, duque de Morella, conde de Luchana y vizconde de Banderas, todos ellos en recompensa por su labor en el campo de batalla, en especial en la Primera Guerra Carlista.

El Centro Comercial de Cuesta Blanca
Después de cinco años trabajando como director de la inmobiliaria del Ministerio de Educación y Ciencias (participó en el proceso de construcción de la Universidad Autónoma de Madrid), y de haber cerrado su estudio de arquitectura pues lo consideraba incompatible con el cargo, Estalella se convierte en promotor. Hablamos de los setenta. Fue entonces cuando compró el cerrete que rodea el Colegio Suizo y los terrenos hasta Los Peñotes.

En su estudio de la céntrica calle de Núñez de Balboa, en un edificio que lleva su firma, podemos ver la maqueta original del proyecto del Centro Comercial de Cuesta Blanca, ubicado en este cerro. También se ocupó de la construcción de las primeras casas que hay yendo hacia el invernadero y de la residencia de mayores. Aunque lamenta no haber estado al frente de la obra, pues tuvo que irse a México por trabajo, recuerda con nostalgia el lugar, con un arroyo donde pescaba truchas y hasta unos hoyos de golf. Vemos en sus caídos pero inmensos ojos azules esa emoción al recordar aquellos tiempos.

También nos habla del impulso tan importante que tuvo La Moraleja mucho antes, inteligentemente llevado -según don Ramón- cuando se celebró un Campeonato del Mundo de Tiro de Pichón en 1949, al que asistieron muchos extranjeros e importantes personalidades de todos los ámbitos. Desde ese momento empezaron a invertir en la urbanización. Contándonos esta historia -tiene muchas que contar y no da abasto- descubrimos que Ramón Estalella y Manso de Zúñiga también ha sido Campeón de España de Tiro. No deja de sorprendernos.

Arquitecto y trotamundos
Volviendo a su maravilloso estudio en Núñez de Balboa, donde nos recibe, vemos nada más entrar una lámpara Fase, todo un icono del diseño español de los años sesenta y setenta, y un lujo que se vende al mejor postor, ya que dejaron de fabricarse en la década de los noventa. Sólo un buen arquitecto y artista como Estalella podría tener una en su recibidor. Las paredes están llenas de desnudos y óleos pintados por él y por su padre. También vemos fotos de sus proyectos, títulos y algunos artículos enmarcados sobre sus bonanzas como Campeón de España de Tiro. Todo un portento que no tiene un estudio, sino un gran museo de arte, antropología y arquitectura al que humildemente llama “Zulo”. Casualmente, grandes genios de la pintura y de la arquitectura llamaban “Zulo” a sus estudios, ¿por qué será?

Indagando un poco en sus proyectos profesionales, nos habla de sus trabajos en los sesenta. Por aquel entonces dirigió una serie de viviendas y edificios públicos en las provincias españolas en África, concretamente en el Sáhara Occidental y en Sidi Ifni. Estalella nos enseña sus maquetas y nos fijamos especialmente en las viviendas hexagonales que hizo en El Aaiún, para alojar a los nómadas y que irónicamente se empezaran a asentar. Fue todo un éxito que llamó la atención de otros países como Guinea Ecuatorial, que recelosos de este proyecto, llamaron a Estalella para que dirigiese “Poblados Modelo”, construidos durante la década de los sesenta promovidos por el Instituto Nacional de Vivienda de España y dirigidos por el arquitecto.

Formaban parte del Plan de Desarrollo para Guinea Ecuatorial y, por primera vez, se proyectaron conjuntos de viviendas y edificios comunitarios para la población autóctona, como una iglesia, la casa de la palabra, los locales comerciales, un edificio para correos y una fuente. Actualmente estas intervenciones forman parte indisociable de las ciudades y han logrado mantener la singularidad de su tejido urbano y su arquitectura.

Homenaje a su padre, Ramón Estalella Pujolá
Abrimos un libro con imágenes de Ramón Estalella Pujolá que procede de su Fundación, de la que precisamente su hijo es vicepresidente. Este terrateniente catalán ​se estableció en Cuba en los años veinte y se graduó en la carrera diplomática, cuando le destinaron a la embajada de Cuba en España con el grado de canciller. Anteriormente había estudiado pintura en Madrid.

Durante su etapa en la capital española entró en contacto con diversos pintores e intelectuales de la época, entre ellos Joaquín Sorolla (su primer referente en pintura), Federico García Lorca, Dalí, José Ortega y Gasset, Ramón Gómez de la Serna. Con todos ellos debatía y se divertía en interesantes tertulias en el Café Pombo. Ramón Estalella hijo nos enseña fotos de su padre con el cineasta Edgar Neville; y con Gómez de la Serna, íntimo amigo suyo. Una etapa en la que también colaboró como dibujante y portadista con las revistas La Esfera y Blanco y Negro.

Pero al estallar la Guerra Civil española, Estalella quedó al frente de la Embajada de Cuba como Jefe de Misión, por fallecimiento del embajador Pichardo. Su humanidad y coraje ha sido recogida documentalmente por Antonio Manuel Moral Roncal en Cuba ante la Guerra Civil Española: la acción diplomática de Ramón Estalella (Biblioteca Nueva). Y es que como diplomático cubano, dio asilo a muchas personas, se calcula que estuvieron asilados en la Embajada cubana unas 700 personas y durante la posguerra un centenar. Leyendo una crónica sobre esto en El País (26 noviembre 2003), coincidiendo con la presentación de este libro, el historiador Antonio Moral declaró: “Ramón Estalella era un hombre muy humilde, que no quería brillar por lo que consideraba una dedicación profesional y humana, que ayudó a mucha gente de derechas y republicanos, e incluso llevó a Portugal en el maletero de su coche a condenados a muerte”.

De esta anécdota, Estalella hijo recuerda viajar con un hombre escondido en el maletero, y de su madre dando golpes de vez en cuando detrás para verificar que seguía vivo, hasta que consiguieron pasar la frontera. Muchos años después, casualidades de la vida, en un campeonato de tiro coincidió con uno de esos hombres a los que su padre salvó la vida.

Fallecido en Madrid en 1986, un año después de su muerte se constituyó la Fundación Ramón Estalella para la recopilación y difusión de su legado -destacó por sus paisajes impresionistas, sus bodegones y desnudos- y la promoción de jóvenes artistas y pensadores de cualquier ideología y nacionalidad.​

Una vida llena de aventuras, conocimiento, arte, humanidad. Gracias, Ramón Estalella y Manso de Zúñiga, por contarnos su Gran historia y la de su padre.

Texto: María Couso – Fotografía: Luis Benolier.

Picasso y El Guernica, ¿es verdad lo que nos han contado?

El próximo sábado 6 de octubre, a las 11:00 horas de la mañana, Est_Art Space de Alcobendas acogerá la charla, presentación y debate, sobre el libro Guernica. La obra maestra desconocida, escrito por José María Juarranz y con prólogo de Vicente Verdú. En él plantea una nueva lectura de este cuadro de Picasso alejada de la interpretación que lo vincula al bombardeo de la ciudad vasca.

Catorce años de investigación que han dado como resultado casi 300 páginas en las que el catedrático José María Juarranz explica, de una forma muy didáctica, que el título de uno de los cuadros más famosos de la historia es un trampantojo y que el cuadro nada tiene que ver con la guerra sino con una representación autobiográfica del artista malagueño.

El nombre de Guernica proviene, según Juarranz, de una visita al estudio de Picasso en la calle des Grands-Augustins en París, por parte de un grupo de amigos, entre los que se encontraba el poeta comunista Paul Éluard, autor del poema “La victoria de Guernica”.

Uno de ellos (probablemente el mismo Éluard) al ver la obra exclamó: ¡Guernica! Y Picasso halló el plinto perfecto para elevar la obra de categoría y multiplicar su ascendencia y visibilidad en toda Europa, convirtiéndola en un símbolo contra la barbarie fascista de la guerra española. De hecho, el artista nunca respondió de forma directa cuando se le preguntaba sobre el significado de su obra.

Juarranz sostiene que el propio Picasso contribuyó a la confusión y apunta que los primeros críticos que hablaron sobre Guernica eran todos miembros de la izquierda o republicanos. El cuadro habría sido siempre utilizado como elemento de propaganda, distorsionando su significado y haciendo muy difícil otra lectura a la establecida.

La charla durará aproximadamente 60 minutos y a la finalización de la misma, se abrirá un debate en el que podrán participar todos los asistentes. Al finalizar el evento, el autor firmará ejemplares de su libro.

José María Juarranz de la Fuente (Fuentemolinos, Burgos, 1949), catedrático de Geografía e Historia, es licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad Complutense de Madrid y becario del Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Entre sus publicaciones destacan: Las Revoluciones de 1848, Las Transformaciones científicas, técnicas y económicas 1850-1914 y Geografía industrial, todas en la editorial Akal. Ha publicado también diversos artículos sobre la obra picassiana: “Nueva visión de Sueño y Mentira de Franco”, “Picasso: la mujer torero” y “Picasso: el minotauro ciego”. En todos ellos ha aportado nuevas interpretaciones que culminan en Guernica. La obra maestra desconocida, fruto de 14 años de investigación.

“Lo que yo creo en pintura procede de mi mundo interior. Pero al mismo tiempo necesito los contactos que establezco con los demás… yo pinto exactamente igual, como otras personas escriben su autobiografía. Los cuadros terminados o no, son las páginas de mi diario y, como tales, válidos. El futuro escogerá las páginas que prefiera. No me corresponde a mí realizar semejante elección… Pero yo no elijo nada, tomo lo que se presenta”, Picasso citado por F. Gilot en Vida con Picasso.

Desentrañando El Guernica: El famoso cuadro de Picasso nada tiene que ver con el bombardeo de la ciudad vasca.
Charla gratuita, dirigida por José María Juarranz de la Fuente. El sábado 6 de octubre de 2018 a las 11.00 horas. En Est_Art Space – C/ La Granja 4 – 28108 Alcobendas. Se ruega confirmación de asistencia al mail: info@estartspace.com

Apertura de la temporada expositiva en Est_Art

Est_Art inaugura en Alcobendas la temporada expositiva con INTER_VALLUM, será este miércoles 26 de septiembre a las 20:00 horas.

Un INTERVALO es una diferencia de frecuencia, un lapso de tiempo-espacio, una diversidad de significado cuando dos enfoques describen un análogo. Tres autores que albergan el intervalo de la historia, de la esencia de los clásicos trasladada al presente, digerida, reinterpretada y reconstruida: María del Carmen Díez, Enrique González y Marcos Carrasco.

Artistas que tienen como nexo común presentarnos obras que beben de los clásicos, se tamizan a través de sus universos creativos y dialogan con el público por medio de la figura humana.

Ese tránsito entre los maestros y los autores del S. XXI les hizo plantearse el concepto de INTER_VALLUM, intervalo que refleja la diversidad de significado de narraciones con la misma esencia, un espacio o distancia que habita de un enclave a otro, de un tiempo a otro, entre fenómenos físicos, orgánicos, humanos…

María del Carmen Díez plantea sus propuestas tomando como punto de partida un imaginario clásico de los siglos XV y XVI, con el buril como herramienta desmonta el uso de lo femenino en el lenguaje del arte incidiendo en arquetipos impuestos a la mujer. En su obra aborda el planteamiento estereotipado y dañino que se repite a lo largo de la historia donde se mantiene una posición despectiva arquetípica.

Enrique González inicia su carrera en la disciplina de la obra gráfica, investiga y discurre por varias corrientes explorando diversos campos del arte, aprendizaje que enriquece con su faceta de lector compulsivo; circunstancias que irán contribuyendo a focalizar su vía expresiva que quedara definida bajo el marco de la figuración, el paisaje y los guiños a los grandes maestros de la pintura.

Marcos Carrasco concibe la figura humana como un receptáculo del sentir y reivindica la fuerza de esa expresión emocional en la representación pictórica de la anatomía. Pintor, ilustrador e indagador del misterio, la magia y los enigmas que conectan al arte y al ser humano, ve en los clásicos a los más altos dignatarios de captar esas incógnitas y proyectarlas en la morfología del cuerpo.

Más información:
www.estartspace.com

Linking words, exposición de José Luis Ferragut en Anabel Segura

Hasta el próximo 20 de octubre, podrás disfrutar de la exposición Linking words de José Luis Ferragut, en el Centro Cultural Anabel Segura de El Soto de La Moraleja. Pintura contemporánea provocadora. No te la pierdas, entrada libre.

Hay palabras que son nexos, puntos de unión entre unas y otras, con la capacidad transformadora de crear percepciones distintas y expresar conceptos únicos. Así es la obra de José Luis Ferragut, una concepción artística con una visión personal, caprichosamente particular, capaz de conectar elementos distintos y fusionarlos para transmitir emociones que por separado jamás alcanzarían.

Profundamente influenciado por la publicidad, la fotografía y el diseño gráfico. Con una dirección artística exquisita y una técnica depuradísima, Ferragut nos mira desde su pintura buscando la provocación de hacernos disfrutar. Tras un estilo que rezuma honestidad, donde su amor y respeto por el soporte sale a la superficie de sus obras, fundiéndose en imágenes que forman historias a través de personajes históricos, del cine o héroes de videojuegos.

Historias que cuentan sentimientos, que son capaces de transmitir emociones. Uniendo lo in-unible para el deleite de espectadores curiosos y hambrientos de un lenguaje que vaya más allá de las imágenes pintadas sobre un lienzo.

Esta muestra recoge obras en acero inoxidable, en las que no se llega a cubrir del todo el soporte, donde los personajes son retratados de una forma clásica y elevados a la categoría de deidades sin importar su origen, sin esconder ni adulterar su personalidad, ensalzando esa presencia todopoderosa de la que gozan en la era contemporánea.

Sacas de correos de todo el mundo sirven como lienzo para este artista que lejos de ocultar la suciedad, los rotos, el implacable paso del tiempo y el roce de la historia, pinta sobre ellos reconduciendo esa mugre exaltada de emociones hasta hoy. Rescatándola, transformándola, reinventándola para nosotros. La resina cubre sus obras como un cristal que nos deja asomarnos más allá, a ese otro mundo, para ver cómo el fondo se mezcla con la pintura creando varias capas de información que nos hacen reflexionar, creer ver, e incluso imaginar.

En su obra más reciente, el uso del collage respeta rotos, trozos de papel, texturas de arte urbano y un soporte que se niega a desaparecer bajo la pintura para rescatar la verdad de un personaje que no se llama Marilyn.

Juega con nuestros ojos haciendo que la mirada se vuelva más perspicaz, conduciéndonos hacia una visión más general para respirar ese arte más vivo que se cuela por sus pinceles, a veces digitales, para romper, crear y volver a empezar sin límites. De una manera orgánica, dejando que la tecnología coquetee con sus obras y se mezcle con trazos y texturas de un arte callejero, cuya intención es no dejarnos pasar la oportunidad de detenernos, y echar un vistazo para ver qué hay de cada uno de nosotros en esta que es su obra.

Horario:
De lunes a viernes, de 10:00 a 21:00 horas.
Sábados, de 16:30 a 20:00 horas.
Domingos y festivos, cerrado.

Slow garden, la inspiradora filosofía de los jardines de Fernando Pozuelo

La filosofía slow, enfocada en disfrutar de los pequeños placeres diarios, es una corriente que ha inspirado el concepto de slow garden que Fernando Pozuelo Landscaping Collection imprime en sus jardines, pensados para disfrutar y potenciar los cinco sentidos.

Espacios con toques de los jardines japoneses, con criterios compositivos, de perspectivas visuales y matemáticos. También están influenciados por el Feng Shui, que estudia los flujos energéticos; y por el jardín griego, basado en relaciones humanas y en el intercambio.

Entre las características que debe cumplir un slow garden, el paisajista Fernando Pozuelo enumera algunas de los más importantes, como su ubicación, ya que tienen que ser espacios en los que empaparse de naturaleza, abrir la mente y ser conscientes de la vida que hay a nuestro alrededor.

Cada jardín cuenta con una forma y vegetación particular, adaptada al clima y el suelo donde se levanta el jardín y a las necesidades de aquellos que disfrutarán de él. La armonía es la clave en la composición de estos espacios. Se pueden crear jardines llenos de vegetación y también incluso en zonas áridas donde el contraste entre el terreno y los volúmenes creados por las plantas genera un torrente de emociones y una experiencia única a todo aquel que visita este tipo de lugares.

Estos espacios de vanguardia pueden jugar también con una característica que apela a uno de los sentidos principales: el aroma. La variedad de olores que se perciben es clave para disfrutar de la experiencia slow, destaca Pozuelo.

Los jardines slow parten de la idea de disfrutar cada detalle del lugar en cualquier época del año. Otra clave es la personalización, la adaptación al gusto de las personas que los habita: “La máxima de los slow garden es que uno mismo sea el protagonista indiscutible del espacio, posibilitando, así, la generación de tiempo de calidad que se traduce en disfrute y relax”, subraya el paisajista. La interacción entre el jardín y la persona equilibra las energías generando lucidez, que favorece la toma de decisiones.

Y añade: “En un mundo de prisas, contar con un espacio personal que nos invita a la meditación es un regalo”. “Vivir sin percibir el entorno no es más que una carrera, mientras que la belleza reside en ser conscientes de los detalles”, concluye.

Más información:
www.fernandopozuelo.com

Graciela Iturbide, V Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas

La fotógrafa mexicana Graciela Iturbide (Ciudad de México, 1942) ha recibido el V Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas, además, el Centro de Arte Alcobendas acoge una exposición retrospectiva que recorre los proyectos más importantes de su trayectoria. Los anteriores galardonados han sido Alex Webb, Cristina García Rodero, Philip-Lorca diCorcia y Pierre Gonnord.

“Gracias por apostar por la fotografía, gracias por este premio que me ha permitido estar en Alcobendas, me siento muy feliz”, declaraba Graciela Iturbide tras recibir de la mano del alcalde, Ignacio García de Vinuesa, el V Premio Internacional de Fotografía de Alcobendas.

Iturbide, considerada una de las más importantes e influyentes fotógrafas de América Latina, fotografía la vida cotidiana de las culturas indígenas de México, en especial de las mujeres. Es la fotógrafa de la templanza, de la calma, acentuada por la prolongada duración de sus series, la mayoría se completaron en más de un lustro para perseverar en la composición de la imagen, buscando embrujo, el encanto y el sosiego.

La muestra retrospectiva de su obra que podremos ver en el Centro de Arte Alcobendas está formada por más de setenta fotografías que representan una completa visión de las series Desierto de Sonora, Juchitán, Pájaros, Matanza de cabras, Cuadernos de Viajes, El Baño de Frida, India, USA, Jardines y Autorretratos.

Iturbide ha expuesto individualmente en el Centre Pompidou (1982), el San Francisco Museum of Modern Art (1990), el Philadelphia Museum of Art (1997), el Paul Getty Museum (2007), la Fundación MAPFRE Madrid (2009), el Photography Museum Winterthur (2009) y la Barbican Art Gallery (2012), entre otros. Ha recibido el premio de la W. Eugene Smith Memorial Foundation, 1987; el Grand Prize Mois de la Photo, Paris, 1988; la Guggenheim Fellowship por el proyecto ‘Fiesta y Muerte’, 1988; el Hugo Erfurth Award, Leverkusen, Alemania, 1989; el International Grand Prize, Hokkaido, Japón, 1990; el premio Rencontres Internationales de la Photographie, Arles, 1991; el premio Hasselblad, 2008; el Premio Nacional de Ciencias y Artes, Ciudad de México, 2008; el Doctor honoris causa en Fotografía por el Columbia College Chicago en 2008; y el Doctor honoris causa en Artes por el San Francisco Art Institute en 2009.

El Premio Internacional de Fotografía Alcobendas está dotado con 10.000 euros y reconoce la labor del galardonado en el ámbito general de la fotografía, tomándose como referencia y reconocimiento los trabajos realizados en los últimos años y la valoración general a la notabilidad de su trayectoria profesional. Con el Premio, los autores exponen en el Centro de Arte Alcobendas. Los anteriores galardonados han sido el presidente de la Agencia Magnum, Alex Webb, en 2009; la Premio Nacional de Fotografía Cristina García Rodero, en 2011; el fotógrafo americano Philip-Lorca diCorcia, en 2013; y el fotógrafo francés, Pierre Gonnord (2015).

El jurado de la quinta edición del Premio Internacional de Fotografía Alcobendas ha estado compuesto por Juan Manuel Castro Prieto (Premio Nacional de Fotografía 2015), Pablo Juliá (ex director del Centro Andaluz de la Fotografía), Laura Revuelta (redactora jefe de ABC Cultural), Marga Sánchez (coleccionista), José María Díaz Maroto (conservador de la Colección de Fotografía Alcobendas), Belén Poole (coordinadora del Centro de Arte Alcobendas), Yolanda Sanchís (gerente del Patronato Socio Cultural de Ayuntamiento de Alcobendas) y el alcalde de Alcobendas, Ignacio García de Vinuesa.

Start again, exposición de pintura de Brenda Fridman

Brenda Fridman, vecina de La Moraleja y pintora, inaugura este jueves 26 de abril la exposición de pintura Start again en la Galería Modus Operandi. En esta muestra, sus cuadros son una mirada a la evolución de la sociedad a través de lo que el escritor Stefan Zweig denominaba “momentos estelares”: aquellos que cambian el rumbo de la sociedad, en algunos casos de la humanidad, eventos que rompen con la evolución continuista y de alguna manera fuerzan un nuevo comienzo.

Sobre texturas de piedra, tierra y madera, que resumen el mundo, hay fechas que van desde el origen de la vida misma hasta los tiempos modernos. Será a las 19:30 horas en C/Lope de Vega 31, Madrid. Podrás visitarla del 26 de abril al 28 de mayo de 2018.

Acerca de Brenda Fridman 
Brenda Fridman es una artista argentina con más de 20 años dedicados al diseño y al arte. Sus obras retratan momentos de cambio y esperanza de la humanidad. Trabaja con materiales naturales que van desde el óxido hasta arena procedente de playas del Mediterráneo y del Océano Atlántico Sur. Dentro del estilo abstracto, sus obras están llenas de simbolismos, mezclando realismo con expresiones urbanas como el esténcil y las pintadas con origen en el grafiti. Con estos recursos significa en su obra la condición actual de la sociedad, sus miedos, esperanzas y sueños. Sus cuadros fueron expuestos en galerías en Luxemburgo, Francia y más recientemente en Milán, Italia.

Villa María Christina, su propietaria nos abre las puertas de esta casa de La Moraleja

Fernando Higueras fue un arquitecto exponencial de la década de los 60, algunos de los edificios más emblemáticos de la capital, como buen “gato” que era, fueron proyectos suyos. Un metódico del orden y la belleza, amante de la luz natural, la piedra y el hormigón visto. Un artista del ladrillo que dejó su sello en algunas casas de exclusivas urbanizaciones como La Moraleja.

Entramos en Villa María Christina. Su anfitriona, -interiorista, representante de la oficina de turismo de Filipinas en España, gran aficionada al yoga y una amante del arte y el diseño- nos recibe en su imponente hogar, obra de este arquitecto. Esta construcción fue un encargo especial de un famoso pintor: Capuleto. Años atrás sus estancias se llenaban de lienzos, caballetes y pinturas.

Muchas historias entrelazadas, una vivienda que es una obra de arte en sí, un interiorismo marcado por piezas icónicas y un jardín de clara influencia asiática por los orígenes de su propietaria, filipina; y por la pasión de su marido por Japón.

Mayari, por Christina Giménez
Hablar de Christina es hablar de diseño, afluencia de culturas y estilos, de buen gusto. Una políglota que dejó su país natal, Filipinas, para emprender una nueva vida en California, Estados Unidos. Educada en los mejores colegios, fue compañera de estudios de Julio José Iglesias. Allí conoció a su marido y formaron una familia, ni más ni menos que tres hijos que han crecido entre obras de arte. Para ellos, descansar en un sillón de Le Corbusier o convivir con esculturas de Degas es lo más natural del mundo.

No podemos hablar de Christina Giménez sin hacer referencia a sus bolsos, diseños muy exclusivos, piezas delicadas, muy arquitectónicas y con materiales tan únicos como tortuga, nácar, pitón o piel de avestruz.

Mayari, así se llaman estas pequeñas obras de arte en forma de clutch, elaboradas a mano en Filipinas por expertos artesanos en un minucioso proceso. Puedes encontrarlos en los almacenes Harrods de Londres o por encargo (Tel.: 638 673 121).

Colosal arquitectura y diseño
Ella y su marido forman el tándem perfecto. Christina, diseñadora de exclusivos bolsos y con un grado de interiorismo que le ha aportado conocimientos suficientes para decorar esta majestuosa vivienda. Él, arquitecto.

Así, su casa, con más de 1.300 metros cuadrados y dividida en tres plantas, es un alarde de diseño, con esculturas de grandes artistas de la historia como uno de los famosos móviles de Alexander Calder o una escultura de Degas; butacas originales de Eams, sillones de Le Corbusier, lámparas de alabastro, sillas Luis XV, muebles Art Decó y cojines de Hermès. Un verdadero placer para la vista.

Su rasgo más distintivo es la gran pirámide que la preside, una luz cenital tamizada que proporciona iluminación natural a toda la vivienda, y que se convierte en el eje central de la construcción. Esta característica, junto con las bóvedas tabicadas típicas de Fernando Higueras en otras obras, ha influido en arquitectos posteriores de manera significativa.

La planta superior es exclusiva para sus hijos, un enorme y diáfano espacio con un tatami hecho a medida para que puedan practicar sus deportes favoritos. Y un impresionante jardín lleno de bambú y árboles centenarios, con varias cabañas de madera, una de ellas en la piscina -con barras de teppanyaki y paneles japoneses- para disfrutar de las noches de verano.

Fernando Higueras, el artífice
Hace algunas ediciones pudimos entrar en la casa del arquitecto Miguel Fisac, fue todo un privilegio ver su trabajo más íntimo. Ahora lo hacemos con otro contemporáneo: Fernando Higueras, el “arquitecto de la cueva”. Y es que este artista con mayúsculas, excavó un hogar-estudio en el jardín de su casa familiar. Un pionero de las viviendas sostenibles, su arquitectura promovía una armonía entre el hábitat humano y su entorno natural.

La riqueza de la obra de Higueras, que tenía como referencia a Frank Lloyd Wright, se vio representada en algunos de los edificios más distintivos de Madrid, como las viviendas de San Bernardo con sus terrazas de enredaderas, el edificio Castellana -en el número 266 del Paseo de la Castellana-, o la Sede del Instituto del Patrimonio Histórico Español, entre otros.

Fue premiado como acuarelista, fotógrafo y escultor, pero él elegiría la arquitectura para consagrarse. Gran amigo de Gloria Fuertes, César Manrique o Núria Espert, hizo la casa de estos dos últimos. Era un gran coleccionista de arte, con bocetos de Chillida y cuadros de Antonio López en las paredes de su estudio.

Un hombre controvertido cuyas críticas, a veces feroces, tocaban a importantes personalidades como Le Corbusier, del que opinaba que era mal arquitecto: “A pesar de lo mal arquitecto que era, ha sido el primer propagandista de la historia del arte moderno, porque de cada obra que hacía publicaba cinco libritos; la única persona con un talento semejante para venderse mejor es Julio Iglesias”. Paradójicamente, algunas de sus casas y edificios están llenas de piezas de Le Corbusier.

Desde lamoraleja.com agradecemos a Christina Giménez y a su familia que nos hayan abierto las puertas de su hogar, ahora conocemos un poco más de las gran historia que hay detrás de cada casa y vecino de La Moraleja.

Fotografía: Luis Benolier.  Texto: María Couso.

El poder de la presencia, exposición en Est_Art Space

El poder de la presencia es la primera exposición colectiva del proyecto Mujeres Mirando Mujeres (MMM), organizada por Arte a un Click. Una muestra que han comisariado mujeres sobre trabajos de mujeres, para visibilizar la obra de 21 artistas entre las que se encuentra Isabel Muñoz, Premio Nacional de Fotografía 2016. Del 16 de marzo al 15 de mayo de 2018 en Est_Art Space, un espacio que cuenta con 1.500 metros cuadrados expositivos, ubicado en una nave industrial en la zona norte del extrarradio de Madrid, en Alcobendas.

MMM empezó en 2015 como un proyecto con vocación de continuidad y reivindicación, con el convencimiento de necesitar a mujeres excepcionales para poder crecer. Para ello contó con la implicación de 7 blogueras y 7 artistas. “Hemos buscado obras que nos muestren el cambio que entre todas estamos generando, otras posibilidades visuales a través de los ojos de artistas mujeres que están trabajando en la actualidad. Cómo su trabajo hace temblar todos los emblemas de poder y autoridad impuestos hasta hora. Obras que cambien y cuestionen el discurso de la dominancia, narrativas que se posicionen desde una mirada liberadora para la mujer dentro del arte, como artista ante la sociedad y como agente trasformador de la realidad”, declaran desde MMM.

Jurado y premios
Un jurado formado por Luisa Pita (directora de la Galería Luisa Pita de Santiago de Compostela), Maite Sánchez Urueña (codirectora de Est_Art Space), Mujeres Mirando Mujeres (Adriana Pazos Ottón, Mercedes Palaín, Ana Gr. Iñañez, Natalia Alonso Arduengo y Mila Abadía) y Joan Feliu (codirector de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo MARTE y profesor de la Universitat Jaume I), ha determinado las artistas participantes en la muestra, así como las ganadoras de los premios.

Se entregará el Premio Arte a un Click (distinguirá una obra de las exhibidas con una dotación de 500 €); y el Premio Espai Cultural Obert Les Aules – Diputación de Castellón (distinguirá a una artista presente en la muestra y organizará en 2018 una exposición individual para inaugurar la temporada en Espai Cultural Obert Les Aules de Castellón).

Para más información:
info@estartspace.com
www.estartspace.com